ABEL GANCE

EL HOMBRE QUE RETRATÓ A SU ÍDOLO

En la Francia de los años veinte, la industria del cine se hallaba en crisis, Hollywood había monopolizado el mercado: Frente a las 725 películas producidas en Estados Unidos en 1926, en Alemania se produjeron 200 y en Francia tan sólo 55, muchas de ellas llevadas a cabo por compañías modestas. En una situación, que habría de repetirse a lo largo de toda la historia del cine, fueron los diferentes cines nacionales los que más hicieron por contrarrestar el realismo romántico. No obstante, en el caso del cine francés de los años veinte, no fue el naturalismo el arma de ataque más importante. Influidos por la pintura impresionista de Monet y Camille Pissarro, así como por las obras de Baudelaire, realizadores como Germaine Dulac, Abel Gance, Jean Epstein y Marcel L´Herbier intentaron plasmar la complejidad de la percepción del mundo real, así como el modo en que las imágenes de éste se repetían y proyectaban en nuestra mente.

Dulac fue una intelectual de familia acomodada. En 1917 conoció al teórico del cine Delluc. Juntos dieron forma a uno de los primeros movimientos de innovación cinematográfica del mundo, el primer movimiento de vanguardia en la historia del cine. Delluc fue el primer teórico que se dio cuenta de la influencia que podían tener las teorías psicoanalistas de Freud. Tras la proyección de una de sus películas , Germaine Dulac dijo : “ Quiero gritar. Hagamos puro cine, movimiento sin literatura”. En “La souriante Madame Beudet”(Francia, 1921) inspirada en el personaje de Madame Bovary, la apasionada madame Beudet vive en una ciudad de provincias con su marido, que sólo piensa en el trabajo. Dulac expresa los sueños eróticos del personaje, así como su rabia contenida, no sólo a través de la acción, sino también de la manipulación de la cámara y las imágenes.

Cuando la cabeza de Beudet aparece iluminada, una gasa confiere a su punto de vista un tono onírico. Se trata de un empleo de las gasas muy diferente al de Griffith, quien las utilizó para hacer que sus personajes femeninos parecieran hermosos y etéreos. Cuando Beudet, observa con disimulo a un hombre atractivo, las imágenes pasan a mostrarse a cámara lenta, como si el espectador estuviera mirando a través de los ojos de Beudet. Para expresar la sensación de rabia, Delluc recurre a distorsiones visuales y las imágenes se suceden a menudo a cámara rápida.

La roue/ La rueda  rodada al  año siguiente de La souriante Madame Beudet,  lleva aún más lejos el impresionismo de Dulac. La escribió, dirigió, y editó el realizador parisino Abel Gance, cuyo primer trabajo de relevancia fue para la compañía Film d`Art como responsable de “L´assassinat du duc de Guise”

“La rueda” trata sobre un complejo triángulo amoroso entre un empleado del ferrocarril, Sisif, su hijo Elie y Norma, la hija adoptiva de Sisif. Tras una discusión en Los Alpes entre Elie y el marido de Norma, aquél queda colgando al borde de un precipicio. Para plasmar el momento en el que ve pasar ante sí toda su vida, Gance montó juntas toda una serie de imágenes de su relación con Norma de tan sólo veinticuatro décimas de segundo cada una; al proyectarse en la pantalla a tiempo real, pasaron rápidas como un desconcertante suspiro. Gance, consciente de que el espectador no podía verlas por separado con nitidez, quería transmitir la sensación de pánico, casi intolerable, que dominaba en ese momento, al protagonista. La escena se convirtió en una verdadera revolución y el pintor poeta y realizador Jean Cocteau dijo sobre ella: “ Hay un antes y un después de La roue, de igual modo que en pintura hay un antes y un después de Picasso”.

El director japonés Akira Kurosawa, reconoció que era la primera película importante que vio. A su vez, los realizadores de origen soviético Vsevolod Pudovkin, Sergei Eisenstein y Alexander Dovjenko estudiaron la película en Moscú.

En los siguientes cuatro años, Gance dirigiría y montaría una película de cuatro horas de duración sobre los primeros años de Napoleón, presentando al gran militar revolucionario francés como un héroe trágico. Gance replanteó en esta película el movimiento de la cámara con la finalidad de plasmar el dinamismo del personaje, así como las escenas de las batallas, las cargas los bailes en los salones y las tormentas de arena. La cámara no se limita a captar la velocidad de dichos acontecimientos, sino que se mueve con ellos, cabalgando y bailando como el propio emperador Napoleón. A día de hoy al contemplar la obra, tienes la sensación de estar subido a un estupendo simulador de la realidad histórica.

Napoleon/Napoleón (Francia, 1927) empieza con un prólogo en el que Napoleón aparece en su época de cadete en la academia militar. La escena muestra a unos jóvenes golpeando directamente a la cámara ( Gance había colocado una protección acolchada para absorber los impactos). Se trata de un antecedente de la escena de Beau Sabreur en la que Gary Cooper aparece empuñando una espada ante la cámara. Abel Gance reutilizó la técnica empleada en el clímax de La rueda en esta otra escena, donde el rostro sonriente del joven Napoleón aparece proyectado seis veces en un solo segundo, junto con otros 24 fotogramas.

Asimismo, colocó una cámara de aire comprimido en la silla de un caballo para una escena de equitación durante esa primera etapa en la isla de Córcega. Una de las escenas más famosas, de la película es aquella en la que Napoleón aparece a bordo de un bote en medio de una tormenta, con planos de la Convención revolucionaria. Las tomas de la tormenta, se filmaron colocando el bote en un gran recipiente con agua. Mediante este montaje, Gance quería dar a entender que la Convención revolucionaria estaba sumida, asimismo, en una tormenta política y, para reforzar aún más esta imagen, colocó la cámara en una plataforma suspendida de un enorme péndulo.

El clímax de la película es la entrada de Napoleón en Italia, secuencia en la que Gance supera el tono épico de Cabiria e Intolerancia utilizando tres cámaras unas encima de otras. Cada una de ellas enfocaba en una dirección ligeramente diferente, de manera que se grabaran las imágenes adyacentes de una misma escena de batalla, que al proyectarse juntas daban lugar a una enorme vista panorámica. Salvo el precedente fallido de la Exposición de París de 1900, no se había visto nada igual en la gran pantalla y los espectadores tuvieron que girar la cabeza de un lado a otro para abarcar todo el espectáculo.

Este truco de las tres cámaras sería el germen de Cinerama, una técnica de proyección múltiple sobre un formato panorámico que se utilizó por primera vez en una película de ficción en How the West Was Won / La conquista del Oeste (Estados Unidos, 1962)

“Napoleón” cosechó un gran éxito, pero su enorme coste de producción, coartó la independencia de Gance en lo sucesivo. A pesar de ser el máximo representante del cine vanguardista francés, acabó trabajando para los estudios del país y adecuando su estilo a las exigencias de los mismos, como hicieran otros miembros del movimiento impresionista cinematográfico. En los años cincuenta se estrenaron varias versiones de Napoleón, pero no sería hasta la proyección en el festival de cine de Colorado de 1977, de la versión original restaurada por el historiador y realizador británico Kevin Brownlow que la película recuperó parte de su esplendor original.

Gance, que por aquel entonces tenía ochenta y nueve años, estuvo presente en la proyección y muchos de los que vieron el film, bien en Colorado, bien en las proyecciones posteriores en Londres, y Nueva York, concluyeron que se trataba de una de las películas mejor rodadas. Gance murió a los noventa y dos años, dos semanas después del estreno de Napoleón en Nueva York con el patrocinio de Francis Coppola, cuya Apocalypse Now, es en cierta medida un estudio sobre la grandeza, al estilo de la película del realizador francés.

Abel Gance declaró haberse formado por la lectura autodidacta de Spinoza, Heráclito, Pitágoras, Shopenhauer, Confucio, Bacon, Platón y Nietzche. Hacia 1911, eligió el cine para ganarse la vida y se hizo guionista y actor.  La guerra lo convirtió, en director de escena. Uno de sus primeros films, La folie du docteur Tube, utilizaba las deformaciones de las imágenes, pero ese film de trucos estaba más cerca de la preguerra que de la futura vanguardia. La obra quedó inédita y no ejerció ninguna influencia. Los verdaderos comienzos de Gance fueron los films de promée, fundado por J. L Groze. “La estupidez se ha prodigado” escribía entonces Delluc, hablando de sus producciones. No se levantaba contra el principio, sino que reprochaba al cine de guerra encontrarse con las fórmulas del viejo melodrama. Y veinte años más tarde fue cosa fácil ridiculizar, por la mera enumeración de sus títulos, películas que el público se había guardado bien de ver.

Tras “La dixiéme symphonie” y la melodramática “Mater dolorosa”, realizó “J´acusse”. Con esta película se aseguró la celebridad. Los muertos salían de sus tumbas, y un Vercingetorix en calzón rayado visitaba en sobreimpresión las trincheras para llevar a los poilus a la victoria. Esa grandilocuencia, esas estatuas de fundición para monumentos a los muertos, eran las prendas de una potencia y una sinceridad que no igualó ningún otro cineasta francés. Pero no fue hasta su “Napoleón” cuando logró la innovación cinematográfica y se convirtió en uno de los clásicos del cine mudo. Además de dirigir esta película, Abel Gance participó como actor, realizando una sobria y aclamada interpretación del famoso revolucionario Louis de Saint-Just, uno de los máximos representantes del Reinado del Terror de la Revolución Francesa.

EN BOCA DE GANCE:

«El cine de mañana debe estar a la altura de la grandeza de la era atómica y así se convertirá en la verdadera magia para la que fue concebido ».

«Si mi voz está quebrada es porque yo también tengo la boca llena de tierra y porque a mí también me ha matado el cine francés. En este momento es un muerto el que os habla de otro muerto». (A la muerte de Jean Epstein)

«Tenemos que concentrar todos nuestros esfuerzos jóvenes para alcanzar esa posibilidad: la alquimia del cine».

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